故ロジャー・アックリング 親友リチャード・ロングからの追悼文

今月5日に私や多くの友人たちの恩師であるロジャー先生がお亡くなりになられた。Von Lintel Galleryのオーナーさんの弔いの言葉によるとＡＬＳ（筋萎縮性側索硬化症）と勇敢に戦った後に安らかになくなったそうだ。流木にレンズで刻印をつける作品で知られているランドアートの芸術家であり、近年ではチェルシー芸術大学でのチューターなど長年に渡ってイギリスのアート教育に多大な貢献をされた方。親友のリチャード・ロング氏の書かれた文章が6月19日付けのTHE INDEPENDENTのインターネット版にあったので訳した。以下原文訳

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ロジャー・アックリング：太陽の光をレンズで集めて流木に刻印し、まるで禅のような静かな作品をつくる芸術家

Roger was a very original artist and a great teacher    Nick Rees

私（リチャード・ロング）がロジャー・アックリングに出会ったのは1968年。私がセントマーティンス芸術大学（St Martins）にいた最後の週だった。私たちはそれぞれ違う学科にいた。後に今まで出会った中での最高の友人になった。

彼が私に最初に聞かせてくれた作品はコーンウォール（Conrwall）へのドライブというアイデイア（たぶん）だった。鉛筆を輪っかの上、道の上に走らせる、そして同じルートをケシゴムを走らせながら帰ってくる。輪っかとペーパークリップは彼の初期の作品で非常に重要だった。

彼の父親はワイト島（isle of Wight）でホテルを経営していた 。そこはフォルティタワーズ（Fawlty Towers）の原作になった場所であり、私は何度も行ったがとてもたのしく訪問させてもらった。数年後にフランスを縦断する自転車旅行に2人で出かけたが行程の半分のところで彼のサッカーで出来た古傷が悪くなったので旅を終えた。ロジャーはとてもスポーツ万能だった。非常にすばらしい卓球のプレイヤーであり、スヌーカーの試合が好きだった。

これまで彼は、ウィンブルドン芸術大学（Wimbledon School of Art）で教鞭を取っており、彼に誘われて生徒たちとハドリアヌスの長城（Hadrian’s Wall）を歩いたことがある、そこでビル・ウッドロー（Bill Woodrow）やトニー・クレッグ（Tony Cragg）に初めて会った。他の生徒の一人であるジョン・オールデン（John Haldane）はセント・アンドルーズ大学（St Andrews University）の哲学の教授である。ロジャーは偉大な教育者だった。数世代にもわたって生徒たちは彼の温かさ、寛容さ、機知の恩恵を受けた。

One of Ackling's pieces. He marked the wood without touching it, producing his works as a form of meditation

彼は家の近くの北ノフォークの海岸で集めた木片にレンズをかざし、太陽光線をラインとして刻印し控えめで規則正しい作品をつくった。彼は木に触れずに刻印を入れた。彼は禅のような静けさと集中とともにまるで「瞑想」のようなそれらの作品を作った。

ロジャーにはすばらしいそして献身的な妻であるシルヴィア（Sylvia）がいる。彼らは大旅行を共にしたが特に日本へも行った。そこでは彼の作品はより評価された。彼らと行った幸福な旅の一つとして、一週間のニューヨーク旅行がある。ロジャーと私は共同作品の展示を行った：彼の焼いた線と私の指紋を同じ流木に行った...（一つの作品がギャラリストの彼女に売れた）

ロジャーとシルヴィアはノフォークに美しい家をつくった。そこは本への愛や、たくさんの友人の作家の作品のコレクションが溢れていたし、シルヴィアのピアノの演奏する音が聞かれた。ロジャーは独創的な芸術家であり、すばらしい先生だったけれども、なんといっても良い男でありとても愛された男だった。


リチャード＝ロング（Richard Long）

ロジャー＝アックリング（Roger Ackling） 芸術家;1947年8月11日生まれ;妻の名はシルヴィア（Sylvia）;2014年6月5没



原文　THE INDEPENDENT  2014/06/19

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参考リンク

メディア
THE INDEPENDENT/ News /Obituaries
The Gurdian / Roger Ackling Obituary 

学校
Chelsea College of Arts blog 2014/6/12
Chelsea Space Blog

ギャラリー
Ingleby Gallery / Roger Ackling
Annely Juda Fine Art /Roger Ackling
Von Lintel Gallery / Roger Ackling

作品アーカイブ
TATE / Roger Ackling
artnet / Roger Ackling
British Council /Roger Ackling

映像
vimeo / Roger Ackling. Inside Out:Outside In

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追記（2016/20/01）　
個人的な思い出話も一つ書いておきます。



私とロジャーの思いで：　「テントを立てる話」


大学二年生の時、前期末の口頭試験が行われた直後だった。スカルプチャーメインだったのにペィンティングなどいろいろ試しているときだったので一貫性のなさを他の先生に酷評されて悩んでる時だった。おまえはアーティストなのかペインターなのか！はっきりしろみたいな感じで。

ぼくがチェルシーにいた時には、ロジャーはかつてはヘッドまで務めたチェルシーの役職からは引退していてチュートリアル講師として来校していた。

自分のスタジオでパーソナルチュートリアル（注1）でロジャーと1対1で話すことになった。

私「コンセプチャルアートを作ってきたが、今回はペィンティングを描いてみた。君の考え方はペインターじゃない、全然わかっていないとDave Beechにけちゃんけちょんに言われて凹んでいる」

ロ「あー、この時期のアセスメントではとにかく厳しく評価するんだよ気にしすぎないで。」

私「自分の中では作品それぞれは関係があると思っているのです」

ロ「なるほど。これはいいアドバイスではないんだけど、君はテントをつくりたいんだろ？」

私「え？」

ロ「君はペグを打ってるんだ、ほら　テントを立てるときに地面にペグを打つだろう？」

ロ「君の作品それぞれが　ペグみたいなものなんだ」

ロ「大きなテントを立てるためにたくさんのペグを打ってるんじゃないかな」

私「（涙）」


でも、俺みたいに単純な奴だと　これだけでロジャーだけは俺の事分かってくれた―！　みたいになる。話せばスケールが大きくて優しくて、圧倒されますね。癒されるというかパワーをもらえるというか。

まあ　ロジャーはみんなにペグの話をしてるんだけどね！（笑）

美術学科の学生は、毎週のように先生や美術家とチュートリアルという個人面談みたいなのをするんですが、やたらコンセプトとかを話させて褒めまくる人、申し訳程度の関心しか私の作品に示さずに自分の作品についてのみ饒舌な人や、やたら質問して自分の解釈を私にぶつけて討論するとかそういう人が多いかな。ロジャーの場合は、にこにこしてて何でも聞いてくれるんだよね。何言っても許されるというか肯定感というか。凡庸な表現だけどオーラがすごいんですよ。感化されちゃうの。まあ本人もそれを楽しんでるっぽいけどね。学生によって、ステージによって必要なアドバイスは異なると思うのだけど停滞してるときには最高の出会いだったと思いますね。

僕の当時の彼女のフラットメイトも元生徒で、峡谷に建てられたロジャーの家（注2）に泊まりに行ったりしてた。ただ、ロジャーのスコットランドの家がロンドンまでめちゃくちゃ遠いの。おじいちゃんが電車で通勤する距離じゃないのよ。ロンドンまで4時間くらいかかるんだっけか。ロジャーが現役だったころは、アーティストになりたいならペィンティングを止めろが口癖の怖い厳しい先生だったとも聞くけどね。日本を旅行するのが好きで、古民家でお年寄りと話をしてる写真とかそういうのが検索すれば出てくるかな。

みなさんに比べれば、たいしたエピソードはないんだけど、この時のことを思い出すといまでもぼくは泣けてしまう。すべてを受け入れてくれて肯定してくれるような言葉と態度だった。ランドアートをやりたくなったのは、このロジャーの人間的なスケール感に感化されてしまったからだと思う。

うちの卒展にこの文章を書いたロングさんもロジャーがつれてきてたけど、ランドアートのアーティストって素朴でみんなかっこいいんだよね。着古したチェックのワーキングシャツが似合う感じっていうか。


注１：パーソナルチュートリアルというのは何かというとFine Artの学生は、週に一回来校するプロのアーティストと1対１で議論することができる。イギリスの大学のファインアートの授業というのは、週一のクラスのミーティングでのプレゼンや議論、あとはこのパーソナルチュートリアルしかない。実技の指導などは無い。高い学費はこのために払っているようなものである。

注２:ロジャーの家（ETTRICK VALLEY）
https://divisare.com/projects/296146-reiach-and-hall-architects-ackling-cook-bothy

https://www.archdaily.com/154007/ackling-cook-bothy-reiach-and-hall-architects

EVANGELION:3.33 おまけのサントラのアートワーク補完計画

EVANGELION:3.33発売になりましたね！
初見だったから　ヽ(╯⊙⊱⊙╰)ﾉ!! 　こんな感じだった！


さて、

おまけでサントラがついていたので
iTunesに読み込んでみました

タイトルは
EVANGELION:3.33 YOU CAN (NOT) REDO. Original Sound Track

宇多田ヒカルによるテーマ曲：「桜流し」も収録されている

アートワークに使えそうなイメージはないかと検索してみたけれど
スクエアで適当なサイズのが見つからない
（縦長で横に白い余白のあるものばかり）

BDのパッケージをスキャンしようか・・・

Amazon.co.jpで1200x1200pxのjpegファイルを発見するも
圧縮率が高くてモスキートノイズが目立ちます

これを元にして
Photoshopでちょいちょいっと劣化した部分を修復していくことにします

まず、文字だけを抽出します

EVANGELION:3.33と書かれた上側のタイトルロゴは筆がかすれた感じですが、
「選択範囲」＞「色域指定」＞「しきい値:100」で手書き感もうまく切り取れました


その下のYOU CAN (NOT) REDO.は状態が悪く
輪郭のエイリアスが背景に溶けていて、
いろんなツールで選択して切り出して見ても
輪郭がガタガタになるか内側がムラムラになる＞＜
選択範囲の破線がガタガタ↓

コツコツと破綻している箇所を修正していくのも可能ですが、
文字は頑張ってドット絵を修復してもきれいになるとは限らない

今回のように、使われているのがフォントの場合は文字を打ち直した方が早い

似たフォントを探したら
Gill Sans regular 縦90% 横70%がほぼ一致（!....）
ほんとうのフォントはなんだったのかな？

まあ、いいだろう（汗）


文字詰めもオリジナルの間隔に調整　こちらもほぼ一致
背景はオリジナルの背景色をスポイトで拾ったエメラルドグリーンで塗りつぶせば完了

左側:修復済み　　　　　　　　　　右側:Amazonから拾ったもの

完成したので
PSDからイメージを別名で保存して書き出すわけだけど

アートワークの大きさは、
ピクセル数を大きくすると音楽ファイルのサイズも大きくなってしまうので
ファイルサイズを600x600px(解像度72)で
WEB及びデバイス用に保存でpng24で保存
（写真のような色数が多くて複雑なイメージはjpeg,
文字などのはっきりしたイメージはpng形式が良い）。

Amazonで拾ったぼけぼけのオリジナルは1200x1200pxで86KB
今回作成したものは600x600pxで37KB

アートワークに必要十分なサイズでクオリティアップ出来ました。



アートワークの設定は、
iTunesの場合　
曲を選択して、右クリック（control押しながらクリック）して
情報を見る→アルバムアートワークのところにイメージをドラッグすると適用されます。

実際にiTunesに表示されると、こんな感じでちっさいけど

アップに耐えるクオリティがあるので
iPad(Retina)とかMacBookPro（Retina）なんかでも奇麗に表示出来るのではないでしょうか

というわけで、補完完遂
きれいなアートワーク画像を探していた方はどうぞ自由に利用下さい

EVANGELION:3.33 iTunesアートワーク用 600x600px 37KB

あけましておめでとうございます

あけましておめでとうございます

年末に風邪を引いてしまって、
鼻血体質なので血痰が出ます。ゴホゴホ。

昨年は、サクッと禁煙出来たのですが、
毎日往復30km走っているチャリダ−としては排気ガスが気になるので、
レスプロのマスクをしていますが、地方都市なので指差し笑われることもある。　
自分のマイノリティっぷりと、日本での新しい事のやりにくさを皮膚感覚として
再確認する日々です。

昨夜「ゆくとしくるとし」が終わってETVをつけたら、
「シリーズ　原発事故への道程前編　置き去りにされた慎重論」　
が再放映されていて　焼酎を鼻から噴射しそうになった私です。
ロックだなETVは。
だけど、総合では放送できないかなしさ、二枚舌。ベロベロー

さて

現在、ETVで放送中の新時代が解く「ニッポンのジレンマ」
おもしろいですね。
自分と同じジェネレーションの論客しかいない、
「日本のOSは70年代に作られて以来アップデートされていないし、ぶっ壊れている」（宇野常寛）

もっともっとこういう場が生まれたら良いと思いました。
僕らより若い世代にとって、これからどう生きて行くのか
自身で準備するためのスタートポイントだと思いました。
見てない方は、再放送があると思うので絶対見て共有すべきレベルの議論でした。


（題字はイラストレーターのアートブラシだったかな。一本の筆跡を伸ばしたりひっぱたり、ランダムでかすれたり滲んだりしないと同じパターンなので不自然ですね。書き込んでぼかしてもいいけどそこまでやるなら最初から筆で書いてトレースしたほうがいいかな）

残暑お見舞い

2011のプラ船ビオトープ

だだ漏れ中の放射能ですが、排出量は５分の１になったようです。
良かったですね。



いろんな意味でホットな日本ですが、ご自愛ください

ホスピタルアート

今更ながら毎日20人もの方がこの記事にたどり着かれることを驚きつつも、ホスピタルアートの現状について思った事を追記(2011/12/31)しました。

先日、版画家の山本容子がホスピタルアート先進国のスウェーデンを訪問した番組がNHKで放送されていたので見ました。

ホスピタルアートは病院に飾ってあるアートのことですが、
院長先生のコレクションとか趣味とかいうレベルじゃなくって、
患者の為にあるもののようです。

スウェーデンでは病院の建設費の１%をアートに使わなくてはいけないそうです。巨匠の作品が1点あるわけではなく、無名の作家達の1点ものの作品が廊下から放射線治療室の天井からありとあらゆる場所に飾ってあったり、空間展示してあります。日本の儲かってる小児科のようにかわいらしい絵がインテリアとか壁紙のデコレーションとして置いてあるのではありません。もちろんプリントとかコピーではなく本物の作品が置いてあるのです。

私はイギリスで入院したことがあるのですが、国立で治療費の安いNHSの病院よりもプライベートの会員制の病院でそういうアートは多かったと思います。短期入院だったので意識して見た事は無いけど、有名な作品はないけど場所があればなんか置いてあるという感じ。ぼくのいた美大でも、学生有志が病院で展示したりしていました。日本でもあるのかな？

番組で山本氏と話をしていた病院専属のホスピタルアートのアドバイザーの方によれば
患者目線に関しての考えが徹底していて、小児科だからとか、大人だからとか、精神科だからとか固定概念に捕われないほうが良いそうだ。
小児科に置かれたシックな色のオブジェに対して山本容子が「子供には地味すぎないか？」と、しつこく突っ込んでいたけれど（つくる側には結構気になる）、
アドバイザーに言わせれば「落ち着いた色ならば、子供が色になります」だそうだ。
これは結構いいポイントだとぼくは思いました。アジアと違って欧米では個人主義ベースの教育なので、子供にも大人と対等な人格が認められてるんですよね。子供っぽい「色」を押し付けられる筋合いは無いということ。同じように大人だっておもちゃ好きだしゲームしたいよね。日本では、ホスピタルーアートと称して大人がそれっぽくデザインした童画で病院をデコレーションするのが流行っているようですが、それはインテリアデザインであってアートではないしスウェーデンのものと全然違います。

ぼくらの多くは病院で死にます。しかも、そんなにポックリは死ねません。
たぶんVIPルームとかではなく大部屋で。
ぼくは貧乏だけど殺風景な場所で死ぬのは嫌だ。と一瞬想像して思った。
そういうときに快適に過ごす事が出来るということは、間違いなく日本に足りてない豊かさの一つだろう。
長生きしたり、闘病したり思う存分最後までしたいし、それには社会インフラだけではなく文化的によい環境がそれには必要だ。
ゆとり世代のなにがいけないの？ゆとりがあるって良い事だよ。良い意味の言葉を皮肉に使うのは良く無い。年寄りの自殺も悲しいし、年寄り早く死ね！社会の負担なんだよ！的な世代間の対立を感じていますが、余裕がないんだよね社会に。中国のことを笑えないよ。

特定の政治家、官僚、業界の利権が得られるような物質的な社会インフラは整備されてきましたが、文化的な暮らしに直結する分野がスッポリ抜け落ちている気がします。日本中に美術館がありますが、肝心の企画展はどうしようもないし、観客は作品へ近づけないですよね。巡回展とか一回成功した企画が地方へ回ってくる。そんなのは価値を作り出してるのではなく消費してるだけだ。最高の、一期一会を企画せよ。

私自身が、スウェーデンに旅行した際に、確かに物価（税金）は高いけど、街が清潔できれいだと感じた。なぜだか分からないが日本より「豊か」だなとおぼろげに思ったのだけど、根底には社会福祉という一言では言い表せない生きる事へのサポートがあるのだとホスピタルアート先進国としてのスウェーデンをこの番組で知ることによって改めて思った。アート作品が病院にあるということは、視覚的な豊かさだけではなくって「そういう配慮の存在」によって私は社会から見捨てられていないのだと感じられるのではないかと思った。入院してふと作品に出会う、そんな時はヘンテコな作品を前にしても私はめそめそ泣くかもしれない。作品の有名とか無名とか関係ないんだよね。単純に「アートが病院にあるから豊か」なのではなくって、弱い立場にある人たちへの配慮があるからこその豊さだと、この番組を見て思った。とにかく、人生の最後まで、個人の人格に尊厳があることは良い事だ。

例えば、この番組のようにスウェーデンのようにホスピタルアートを推進すれば「感じる豊かさ」を感じさせてくれるのではないでしょうか。ホスピタリティのある病院って素敵だね。


追記（2011/12/31):ホスピタルアートで検索すると、小児科病棟のかわいいイメージが日本語圏ではヒットすると思います。番組の中でスウェーデンの責任者の方もおっしゃっていましたが、「子供向け、大人向け」みたいなのって、大人が勝手に思っているだけではないでしょうか。こどもはあざとく、例えば壁紙の、そのストーリーを見ていますし、もし矛盾したり破綻してたりすると「嘘」だと見抜きます。壁に描いてあるのは「模様」なのか、読むべき意味のある「絵」なのか。ぼくがなにを言いたいのかと言うと、一見「かわいらしい」「当たり障りの無い」もので壁を覆って満足しないでほしいということです。それは不勉強な大人の自己満足じゃないかと。それっぽいものを小児科に飾る風潮はおかしい。その機関車の線路にどういう意味があるの？動物の絵　かわいいね　でも何いいたいの？　アートとデザイン的なデコレーションをごっちゃにしないで欲しいということです。今、日本で普及して来ているホスピタルアートは、実はホスピタルアートではなくって、ホスピタルインテリアとかホスピタルデコレーションなのではないかな。もちろんすべての病院に病棟にアートもしくはデザイン的な装飾はあって良いと思うのですが、アートはそんなペラペラじゃないです。ぼくは　そういう立場です。　当たり障りの無い、無くても良いようなものは、アートじゃない。存在の無意味の意味の無意味の意味（タカシ風w）はやっぱり無いよね。いっぱい感じれていっぱい考えるのはクソみたいにムカツク作品かもしれんしね。　ちょっとこれから「ホスピタルアート」を病院へ導入される方は考えてみて下さい。子供のこともアートの力も舐めたらいかんぜよ。

♥リッファレンスはしっかり♥ 作品制作においても

アートという魔法を使うには、それと引き換えに背負ってしまうHistory of Artの重みに耐えなくてはいけません。例えば、オノ・ヨーコと今自分がやっているアートがどのように繋がっているのか考えてないといけないのです。畑を広げてきた先駆者や芸術運動があったことで、あなたのアートに意味が生まれているのです。だからといって、理論とコンセプトでガチムチのまっちょになってしまうのは下品ですね。上品なインテリジェンスとユーモア、無駄のない筋肉とスマートな動きで、スーパープレーを世界にお見舞いしてあげましょう。

-追記-

ここで述べているのは文章を書く時の参考文献の話ではなく、作品を制作する際のリッファレンスです。美術家は過去に似た作品がある場合には作品の中で言及する必要があります。その似た過去の美術家の作品が文献の時もあるし、芸術作品の時もありますね。例えば、今よく見られる展示形態として壁にコレクションを配置した棚やショーケースをディスプレイする作品などありますよね。でも、元はと言えばジョセフ・ボイスのヴィトリーヌというガラスケースに自身の研究に使った物を納めて展示シリーズが始まりということになります。最低限、ボイスとの「違い」と「同じ」部分を把握して、作品の中で言及しておきましょうということです。特別に意味がある時以外は作品の解説で言う必要はないです。前者を、積極的に模倣して改編した場合、アプロプリエーション（盗用）になってしまい、自動的に原作に対して批判的な立ち位置なります。なぜ意図して敵対したのかが問題になります。本当にしたいのはリスペクトでありオマージュの場合にも注意が必要です。オマージュであれボイスのアプローチと自分のアプローチの違いを説明する必要があるわけです。原作へは批判したいのか尊敬したいのかはっきりさせることが必要です。

アートで戦うこと

卒論の参考にしたブーリオへのインタビュー記事です。
最近、ちょっと用事があって資料として使ったので抜粋させていただきます。
時期的には2009年のTATEでのAlter Modern展の後です。

“現在であれば私は、別の視点から関係性の芸術を定義するでしょう。「様々な既成の芸術的方法を応用して、芸術の実践における人間性を維持し、発展させるための活動」と。というのも今日のアート界は、芸術作品を製品に変貌させ、物象化する傾向に蹂躙されているからです。私はこれらの理論を、芸術作品の直接的な人間性を伝達し、露にする方法として、改めて主張したいと思うのです。体験や出会いでなければ、何がアートなのか？”（関係性の美学と今日的キュレーション Nicolas Bourriaud interviewed by Midori Matsui, p50-51 ART IT spring/winter 2009）

コモディティのある（金銭的な価値がある）アート作品が増えてしまって、それらはプロダクト（製品）になってしまっている。しかし、新たな価値観との出会いと創造を体験することができる場こそ「関係性の芸術」だとブーリオさんは言っています。

“オルターモダニティーは、避難先としてのアイデンティとも闘わねばなりません。世界の多くの人々は、アイデンティ信奉の中でも非常に厳格なものに回帰することで、グローバル化のプロセスから逃れようとしています。それが、原理主義や国家主義を強化してしまいます。”（関係性の美学と今日的キュレーション Nicolas Bourriaud interviewed by Midori Matsui, p51 ART IT spring/winter 2009）

例えば日本人が「日本的」なアートをつくる、女性が「女性的」な作品をつくることはよく見られることです。つまり、作者自身のバックグラウンド（国籍とか）に作品のアイデンティティを求める傾向が強くなってしまっている。しかし、そういった今日の傾向はグローバル化に際しての「逃げ」だとブーリオさんは言っています。

アーティストはありとあらゆる取り巻きと孤独に向き合って、なおかつ保守的な流れとも対峙しなくてはいけないし、キュレーターもまたその流れに対峙して時代に停滞してはならないと僕も思います。そこから生まれたアートは、口当たりの良い美しい姿はしていないかもしれないけど、かっこつけない世界にたった一人の「自分」がつくったアート。勇気のいることですね。作家と観客は対等。そういうアートを認める目を持ちたいものです。

より、人間らしく　自由でいるために

芸術はこんなものだと諦めないで可能性を信じましょう