♥リッファレンスはしっかり♥ 作品制作においても

アートという魔法を使うには、それと引き換えに背負ってしまうHistory of Artの重みに耐えなくてはいけません。例えば、オノ・ヨーコと今自分がやっているアートがどのように繋がっているのか考えてないといけないのです。畑を広げてきた先駆者や芸術運動があったことで、あなたのアートに意味が生まれているのです。だからといって、理論とコンセプトでガチムチのまっちょになってしまうのは下品ですね。上品なインテリジェンスとユーモア、無駄のない筋肉とスマートな動きで、スーパープレーを世界にお見舞いしてあげましょう。

-追記-

ここで述べているのは文章を書く時の参考文献の話ではなく、作品を制作する際のリッファレンスです。美術家は過去に似た作品がある場合には作品の中で言及する必要があります。その似た過去の美術家の作品が文献の時もあるし、芸術作品の時もありますね。例えば、今よく見られる展示形態として壁にコレクションを配置した棚やショーケースをディスプレイする作品などありますよね。でも、元はと言えばジョセフ・ボイスのヴィトリーヌというガラスケースに自身の研究に使った物を納めて展示シリーズが始まりということになります。最低限、ボイスとの「違い」と「同じ」部分を把握して、作品の中で言及しておきましょうということです。特別に意味がある時以外は作品の解説で言う必要はないです。前者を、積極的に模倣して改編した場合、アプロプリエーション（盗用）になってしまい、自動的に原作に対して批判的な立ち位置なります。なぜ意図して敵対したのかが問題になります。本当にしたいのはリスペクトでありオマージュの場合にも注意が必要です。オマージュであれボイスのアプローチと自分のアプローチの違いを説明する必要があるわけです。原作へは批判したいのか尊敬したいのかはっきりさせることが必要です。

アートで戦うこと

卒論の参考にしたブーリオへのインタビュー記事です。
最近、ちょっと用事があって資料として使ったので抜粋させていただきます。
時期的には2009年のTATEでのAlter Modern展の後です。

“現在であれば私は、別の視点から関係性の芸術を定義するでしょう。「様々な既成の芸術的方法を応用して、芸術の実践における人間性を維持し、発展させるための活動」と。というのも今日のアート界は、芸術作品を製品に変貌させ、物象化する傾向に蹂躙されているからです。私はこれらの理論を、芸術作品の直接的な人間性を伝達し、露にする方法として、改めて主張したいと思うのです。体験や出会いでなければ、何がアートなのか？”（関係性の美学と今日的キュレーション Nicolas Bourriaud interviewed by Midori Matsui, p50-51 ART IT spring/winter 2009）

コモディティのある（金銭的な価値がある）アート作品が増えてしまって、それらはプロダクト（製品）になってしまっている。しかし、新たな価値観との出会いと創造を体験することができる場こそ「関係性の芸術」だとブーリオさんは言っています。

“オルターモダニティーは、避難先としてのアイデンティとも闘わねばなりません。世界の多くの人々は、アイデンティ信奉の中でも非常に厳格なものに回帰することで、グローバル化のプロセスから逃れようとしています。それが、原理主義や国家主義を強化してしまいます。”（関係性の美学と今日的キュレーション Nicolas Bourriaud interviewed by Midori Matsui, p51 ART IT spring/winter 2009）

例えば日本人が「日本的」なアートをつくる、女性が「女性的」な作品をつくることはよく見られることです。つまり、作者自身のバックグラウンド（国籍とか）に作品のアイデンティティを求める傾向が強くなってしまっている。しかし、そういった今日の傾向はグローバル化に際しての「逃げ」だとブーリオさんは言っています。

アーティストはありとあらゆる取り巻きと孤独に向き合って、なおかつ保守的な流れとも対峙しなくてはいけないし、キュレーターもまたその流れに対峙して時代に停滞してはならないと僕も思います。そこから生まれたアートは、口当たりの良い美しい姿はしていないかもしれないけど、かっこつけない世界にたった一人の「自分」がつくったアート。勇気のいることですね。作家と観客は対等。そういうアートを認める目を持ちたいものです。

より、人間らしく　自由でいるために

芸術はこんなものだと諦めないで可能性を信じましょう

参加型アートに関する本の紹介

participationタグで分類している三冊の本ですが、紹介を少し加筆しました。Participatory Artというのは参加型アートのことです。ちなみに、participationは「参加」という意味です。

1.「The Art of Participation 1950 to Now」 published by Thames & Hudson

2.「Participation」 edited by Claire Bishop

3.「The Open Work」 by Umberto Eco

Installation Art by Claire Bishop

この本はインスタレーションの入門書とも言えますが、掲載作品の写真の割合が多いので専門書的な文章量を期待する方には物足りないと思います。基本的にインスタレーションを使ったアーティストの写真入りの紹介本といった感じです。参加型作品に関しての論文などのために購入を考えている方はホワイトチャペルギャラリーから出版されているParticipationというタイトルのクレアが書いた本を読んだ方がいいでしょう。

インスタレーション（installation）という展示方法もしくは作品形態は、９０年代以降のアートの主流になりました。この本では、著名な批評家であるクレア・ビショップ（Claire Bishop）がアーティストやその作品について、インスターレーションという観点からの解説を試みています。

例えば、自然現象を再現した作品で知られるオラファー・エリアッソン（Olafur Eliasson）はTATE tubine hallでの太陽を模した作品を紹介。表紙は草間 彌生(草間弥生)のＮＹでの伝説のパフォーマンス。

展示方法を工夫した絵画や映像含めれば、全ての作品がインスタレーションとして扱われるようになっていますが、 敢えてインスタレーションという形態的な分類からの語り口でClaire自身が解説を試みています。なぜ現代アートにおいて「作品」が「製品」であることを止めて、その「場」でより雄弁に観客に語ろうとしているのか？という観点からこの本を読むと作品ある空間への認識が変わってくるのではないかと思います。

本の最後は、「Relational Aesthetics」とクレア自身の「Antagonism in Relational Aesthetics」で閉め。このパートは文章も短くされているので、October誌に書かれた原著を読んだほうがいいかもしれません。

The Art of Participation 1950 to Now published by Thames & Hudson

SFMOMA(San Francisco Museum of Modern Art)でNov 08,2008 - Feb 08,2009に開催された「The Art of Participation 1950 to Now」展のエキシビジョンのカタログです。カタログというと薄そうですが大型本で211pもあります。（参考リンクSFMOMA "The Art of Participation 1950 to Now"）

このカタログでは、1800年代からはじまって、50年代に大きく発展を遂げたフルクサスのハプニングアート、そしてCGやWeb2.0を使ったオンラインアートまで紹介されています。

参加型アートというのは、今日ではもっとも自然らしいアートの形としてアカデミックであれアウトサイダーであれ広く普及しているように思います。作家が作品へ観客を参加させること、観客がどのように作品と接していくかについては、特に「参加型アート」とジャンル分けしなくとも、アートと向き合う時には作家と観客の双方が考えなくてはいけなくなっています。小説に読み手が必要であるように、アート作品が「見られる存在」である以上、観客を無視して作品は成立し得ないからです。

この本で特筆すべきは豊富な掲載作家及び作品です、ジョン・ケージ、オノ・ヨーコ、ウォーホール、ナム・ジュン・パイク、アラン・カプロウ、ヨーゼブ・ボイス、マリーナ・アラモヴィック、フェリックス・ゴンザレス・トレース、フランシス・アリス、アーウィン・ワーム、CGやWebで作品を作っている若手の作家などなど全部書きませんが、作品と紹介文付きで大勢の作家が紹介されています。超有名なスーパーアーティストを含みますが、かれらの作品の中から「参加型の作品」を選んで紹介されているので、あのアーティストこんな作品も作っていたんだ！的な発見もあるかもしれませんよ。現代アートに興味がある方にはもちろん、生徒に参加型アートに関して突っ込まれるけど実は良く解らないんだという教育者の方にも良いと思います。志の高い生徒の為にも、今すぐに大学の図書館に収蔵してあげて下さい。写真も多いし、オススメです。

あと、参加型アート(Participatory Art)の作品の紹介ではなく、文献や論文が読みたい方には、Participation edited by Claire Bishopもおすすめです。

Participation edited by Claire Bishop

Whitechapel Gallery発行のシリーズの１冊。参加型アート（Participatory Art）を考える上で参考になる論文やExhibition Catalogueなどの文献を、批評家のClaire Bishop（クレア＝ビショップ）が重要箇所を抜粋して紹介したずるい本である。有名所だとEcoの「Open Work」や、Bourriaudの「Relational Aesthtics」やClaire Bishop自身の「Antagonism in Relational Aesthetics」などなどの要約が紹介されており学生にはありがたい本。Félix Guattari（フェリックス=ガタリ）のChapsmosis:An Ethico-Aesthetic Paradigm (1992)や、Jacques Rancière（ジャッカス＝ランシエール）のProblems and Transformations in Critical Art (2004)といったアートセオリーもしっかり紹介してあります。

＜文献が抜粋されているアーティスト、哲学者、批評家＞
Roland Barthes, Joseph Beuys, Nicolas Bourriaud, Peter Bürger, Graciela Carnevale, Lygia Clark, Collective Actions, Eda Cufer, Guy Debord, Jeremy Deller, Umberto Eco, Hal Foster, Édouard Glissant, Group Material, Félix Guattari, Thomas Hirschhorn, Carsten Höller, Allan Kaprow, Lars Bang Larsen, Jean-Luc Nancy, Molly Nesbit, Hans Ulrich Obrist, Hélio Oiticica, Adrian Piper, Jacques Rancière, Dirk Schwarze, Rirkrit Tiravanija

論文ではなく参加型アート（Participatory Art）の歴史や作品が知りたい方には、SFMOMAで開催されたExhibitionのカタログであるThe Art of Participation 1950 to Now published by Thames & Hudsonをおすすめします。

Beyond Recognition by Craig Owens

オーウェンスの批評集。Smithonの「Earth Words」への批評が有名です。

One Place After Another by Miwon Kwon

One Place After Another: Site-specific Art and Locational Identity

Site-Specificとは、作品の所在（location）に関するアート用語で、６０年代にランドアートとともに発展した重要な考えのひとつです。作品がギャラリーというホワイトキューブに存在して、作品の自律性や商品価値（commodity）偏重で空間を無視して鑑賞される傾向にあった。しかし、作品は所在で意味が変わることがある。それならば一番適した場所に最高の形で作品を置くべきだと。という考え方です。Robert SmithonのSpiral Jettyは、塩湖の塩が結晶化し風化・浸食を経ることで時間の経過のプロセスを印象付けますし、文明から遠く離れた荒野という場所がかえって人間の存在、文明について考えさせる効果があります。つまり、作品の所在が作品の意味を強化しなおかつ構成要素にもなっています。また、こうしたランドアートとして屋外に展示する作品だけではなく、Installation型の作品もその場に応じて空間を作るので考えるべき部分です。最近のアートは、壁に飾られたペインティング以外は、広く括ればインスタレーションなのです。Site-Specificは考慮するのが常識みたいなもんです。アートにとっては場所とか、国境とかもおもしろいテーマになります。

Against Interpretation by Susan Sontag

日本語版があったとは！タイトル「反解釈」しかも、直訳過ぎるうう。
この手の言葉ってなんかダサい日本語しかない。日本語であることで損をしてる気がするので英語版を読んでください。

「物語の構造分析」 by Roland Barthes

「作者の死」というエッセーが特に重要です。この本の英題は「IMAGE MUSIC TEXT」、そして「作者の死」は「Death of the Author」。個人的には英語訳版がおすすめです。かつては神のように神聖で不可侵で自律した存在であった作品自身が、作者の手から離れて「読者」が誕生する。コンテンポラリーアートにおいてこのエッセーでバルトが論じた「作者」と「読者」の関係を「アーティスト」と「観客」に置き換えてよく引用します。

「日本美術の歴史」 by 辻 惟雄

縄文文化から、「千と千尋の神隠し」まで範囲は広いですが読みやすい。日本の美術の流れを把握する為の本です。個人的には、文明開化後の西洋の美術の広がり方。近代化の為に急速に輸入された工業と並んで「技術」として広まってしまった「美術」という概念。洋画の急速な普及と衰退（ヨーロッパのアート哲学への不理解が原因）による洋画壇の苦悩。同じくして日本画の一時的な衰退と復権。日本美術を守るために美術学校（のちの東京芸大）の設立。といった現代にも連なる日本の美術界が今のような形になった理由が見えてきます。

「The Open Work」 by Umberto Eco

「すべてのアートは、潜在的にずっと開かれていた。」

現在もボローニャ大学で教鞭を振るう哲学者ウンベルト エーコーの難解な博士論文です。現在でもアートと観客の作品への参加（participation）を考える上でつねに引用される論文です。ロラン　バルトの「作者の死」と並んでコンテンポラリーアートでは重要な論文です。そういえば「私には難しいです」と論文担当の博士に言ったら、「そうだろう僕にも解らないからね」（苦笑）と言われたこともありました。

要約でよければParticipation edited by Claire Bishopもオススメです

「明るい部屋」 by Roland Barthes

写真とは何か？　すばらしい文章と鋭い考察に舌を巻いて下さい。

「Antagonism and relational aesthetics」

イギリスのart critic、Claire BishopによってOctober 2004で発表された、Relational Aesthticsに対する批評です。親切な事に現在でもPDF版がダウンロード出来るので是非一読してください。批評としてもすぐれた文章です。

p.s. GoogleとYahooともに日本語で検索するとこの記事へたどり着いてしまうので、要望があれば要約を日本語で書きましょうかね。。。。。

「Relational Aesthetics」 by Nicolas Bourriaud

Nicolas BourriaudのRelational Aestheticsは、日本語だと「関係性の美学」として知られている９０年代を代表するアート本です。残念ながら、日本語訳はまだありません。ブーリオが書いたエッセーをまとめ直した都合で同じ事が何度も言い直されるなどよくまとめられた本ではないので、ART THEORYとしては役不足なのですが世界のアート関係者はみんな知っている、学生は卒論のために読むので卒論提出前に品切れになるという、初版から１０年以上経ちますが、アート本では珍しいベストセラーです。私が読んだ英語訳の内容を簡単に説明するならば、直接的じゃないコミュニケーションが横行して、その不足を「補完」する場としてのアートが機能し意味を持つことが９０年代のアートの特徴であるということです。ティラヴァーニャの作品が根拠になっております。

しかしながら、Claire Bishopは、その「場」に生じたという観客の関係性について「いったいどんな関係が出来たって言うんじゃい？」、「ピースフルな場って本当に民主的？」とAntagonism in relational aestheticsで突っ込みを入れております。Santiago Sierraのようにセンセーショナルで悪意に満ちた「場」をつくることによって、アートの批評性という重要なテーマを表現しているアーティストもいるじゃあないかと、諸手をあげて理想化されてしまった「関係性の美術」を批判しています。

本人もいろんなインタビューで語っているように、Relational Aestheticsは９０年代のアートの分析と彼の理想が入り交じった感じなので、世界中に批判や勘違いがはびこってしまった。今現在は修正した認識を持っていて、TATE ModernのALTER MODERN展や最新の著書「The Radicant」で示したように、グローバリゼーションをアートを通して表現する必要性に関心がシフトしているようです。