2010年10月5日火曜日
おじゃるさま
（Youtubeでしか再生できないようになっています、反転が残念）
あの雲は かたつむり
のろのろと 空を歩く
急いだって しょうがないんだ
自分のペースで 風のままに
なぜ 人は誰かと
比較をしたり 競争するの？
なぜ 人はみんなと
同じゴールを めざしているの？
雲だって いろいろある
人だって いろいろいる
顔やかたちが 違えば 別の道
生まれて生きて 死んでく 遠まわり
これ、おじゃる丸のED曲の歌詞なんですけど、
秋本康の作詞なんだってさ
現代人のなぐさめソングはほんと得意なんだなあ、あの人は。
こういう分かりきったような、改めて歌う必要がないようなことでも、
心にしみる時がある。
そういうときは、心が秋空のように謙虚で澄み渡っている。
そんなこともないか。ないな。
でもおじゃる丸はいいよね。
サザエさんがリアルじゃない世代の大人も、見ていて安心な番組だ。
コミュニケーションに関する新しいプロジェクトを始める準備をしている。
個人情報を公開して自由にアクセスしてもらうような試みです。
アーティストというのは、公人みたいな面がある。
SNSのFacebookは実名での付き合いが行われているし、
アーティストとそのファンという関係でもフレンド登録してくれることも多い。
プライバシーの設定も出来るが電話番号すら公開もされている。
一方で日本の代表的SNSのmixiは匿名性が高い。
バイト先でいたずらしたことや未成年の飲酒、情報漏洩とかの事件があった。
匿名であることで、情報に対する責任は希薄になってしまうらしい。
その点、Facebookは実名前提だから下手な事はしないメリットがあるらしい。
とにかく、国が国民に番号を付ける前に、
個人がカウントIDとしてインターネットには存在している。
アートでもインターネットの利用は盛んだ。
情報の告知、閲覧だけではなく、インタラクティブな作品も多い。
Relational Aestheticsのようなこと（アートを介してその場で人々が直接交流する）
インターネット上ではごく自然に「間接的な交流」は発生している。
アバターを操ることも出来るし、ヴァーチャルな空間でのアートイベントも開催されている。
ネットでの会話のマナーをわきまえている世代にとっては、
実社会よりも都合が良い世界なのかもしれないと思う。
留学して、実物（本物）を間近に見ることを学んだ。
全体ではなくひとつの作品の一部を凝視してポイントをメモすることを勉強した。
だから、本物をじっくり見る事の意義はよくわかる。
実際、はっきりと細部を記憶もしている。
インターネットを通して発信することを前提にしたアート作品に対して、
接することに対してどう距離を取っていくか。
身体を感覚にどう追従させるか。
観客に想像させるような手法で作品を作って来た私に取っては、
インターネットを導入することによって、
より多くの人に、垣根が低いインフラとしてインターネットはとても魅力的だ。
ま、難しいなあ。
このプロジェクトを実行するのにあたって、
社会心理学を勉強始めたのは、いいタイミングだったと思う。
おたのしみに
2010年10月1日金曜日
山本基: MOTアニュアル２０１０
行ってもいないのに批評することは、ご批判を受けることと覚悟していますが、
このExhibitionの開催当時、東京にいなかったので行けませんでした。
ARTiTでの山本基へのインタービューや写真を見て思うことが多々あったので、
整理しつつ批評してみようと思います。
http://www.art-it.asia/u/admin_news/3sJeF7ElvRXAf0xtuVC9
（山本氏へのインタビュー動画なくなっちゃった。。。）
今回の「MOTアニュアル２０１０：装飾」展（2月6日(土)～4月11日(日)）
「装飾」という造形形式を、時代の美意識を越えて個人の精神性を反映するものであるとして作家を幅広く集め、「装飾」された空間や作品によるexhibitionのようです。
作家それぞれが装飾的な作品によって表現していることは多種多様であるが、全体として社会を反映しているのではないか？ということなんでしょう。私も装飾とか文様はある種の世俗を反映しているのは確かだと思います。例えば、マティスなんて、当時のテキスタイルを正確に絵に描いているので彼の絵には資料的な価値もありますよね。ま、ここは今回はこれ以上はこのExhibitionのテーマには突っ込みません（見てないし）。
ただ、メディアとか表現手法の類似性で作品を括るのは止めて欲しいとは思う。個人的には、「装飾というのは飾りであって本体ではない」という点で、装飾それ自体にも「意味」があるのだとしたらどう読み解くべきか、そして装飾を施された実体の持つ意味はどれぐらい社会を反映する「のりしろ」として機能してきたのか、当時の「のりしろ」の実体と比較検討してみたらよっぽどテーマに沿った内容になるのではないかと思っている。そりゃ博物館の出番かなあ。。。。
山本基は、塩を用いて、死をテーマにインスタレーションを行っている作家です。今回は、「迷宮」というタイトルで、塩２００ｋｇを使ってホールの床に日本の伝統的な波模様か枯山水の庭園を彷彿とさせるような広大な塩の迷宮が広がり、川（本人談）のような装飾されていない貫入がところどころに入っていて、単純な紋様としては見てほしくないようであるが、イスラム教の都市の上から見下ろしたような複雑性と規則性に連続が見られる。一見すると、白の純白と床の木材とのシンプルなハーモニーであるがゆえにどういった意味があるのかと深読みすることを要求されているようで、コンセプチャルアート的な体裁ではある。
紋様の賑やか以外は、禁欲的な感じだ。それは、混みいった人生の「道」のようにも見える。
私は、この作品のキーワードである「死」、「持ち帰る（消失）」について似たキーワードの作品で知られるFélix González-Torresの作品と比較してみようと思う。
トレースと山本に共通するのは、commodity（商品価値）の無い作品を作り、インスタレーションで場をつくる作家であるという点である。そして特別な材料とスキルは使っていない。
しかし、トレースの作品における「死」には、彼のゲイとしてのアイデンティティや死に至る病＝ＨＩＶ、ボーフレンドの死の悲しみが色濃く表れている。観客はゲイでなくとも悲しみを追体験させられる。
「死」というテーマ
死というテーマの壮大さ、
ぼくは、死というテーマに懐疑的だ。
すべての人にとって「死」はテーマとなりえるからだ。
轢死とか水死とか憤死とか感電死とかにジャンルに拘るのなら別だけど。
すべての人間にとって、どう生きるか、そしてどう死ぬかは人生のテーマじゃないか。親も死ねば、友も死ねば、恋人も死ぬだろう。死は身近であり究極であり普遍的すぎるのでわざわざテーマにしてもらわなくても「意識」していることだ。
原始人も未来人も死を前に去来する思いは変わらないだろうと思う。
YBAのダミアン＝ハーストの作品に流れる「死」の軽さ、軽快さ、がファッション的に見えてしまうのは、彼本人に何のイデオロギーも無い一流のコンセプチャリストだからだと思う。薬棚も、解剖台もダイアの髑髏も、鮫も、牛も（クーンズの作品の置き換えだし）。死の仮面を被った、「死」とは対極の存在とも言えるかもしれない。
死というのは、宗教観や死生観を反映したものなので、多様であいまいで絶対的。
しかし、個人的経験ほど、記憶を呼び覚まされて共感させられるものはないだろう。
ハーストが表現する死は、生物としての「死」であり、ちっぽけな「生」を意識させられる。
トレースの表現する死は、個人の悲しみが宇宙よりも広くて深いことを感じさせる。
いずれにしろ、山本の作品の「死」に対して、距離の取り方が私にはわからない。
最終日（終了後）に、生演奏を奏でつつ、作品を撤去するそうだ。。。。
塩を持ち帰りたいかどうか。BGMは葬送曲なのか、運動会のマーチなのか、おしゃれアンビエントなのか、ノイズなのか、意図的に行う以上は、この作業も作品の一部なのだろうか。
会期中にやらないと作品の一部にはならんぜよ！と思う。
いわゆる「消失する作品」というのは、
ランドアートの重要なテーマのひとつで、
人間がつくったものが自然の風化作用で形が無くなってゆくことで
時間的スケールや都市と自然の関わり、さらに生と死を意識させられる形態である。
近年の参加型アートの隆盛によって、持ち帰られ人工的に消失するインスタレーションが
ランドアートの進化した形であると私は思っている。
インスタレーションにどう観客を参加させるか
経験させることの重要性が認知され、世界の展示スペースは遊園地化している。
参加型アートの理論を進めるならば、究極的なインタラクティブアートは遊びの場や遊具などの社会の原初的風景ともいうべき場所(site）に降り立つのだ。この話は、私の研究テーマのひとつなので違う記事で書こうと思う。
こうしたアートは、観客との距離を短くするために超絶技巧は使わず、日常にある材料でDIY（Do it yourself）になる。そうすることでcommodityを無くし、unmonumental（非記念碑的？）になる。その空間が体験者にとって創造の場としての意味を持つように。
いかに自然に観客を作品へ取り込むかが参加型アートの必要条件になる。
これは、必ずしも「平和的」な空間の構築を目指している訳ではない。Santiago Sierraのように、嫌悪感をもたらす作品でも構わない。
さて、今回の参加のさせ方としての「持ち帰る」ことについて考えなくてはいけない。
「持ち帰る」ことで消失する作品
海に返すことは自然葬を思い起こさせるが、
海に塩を振るなんて、塩鮭に塩を振るみたいでなんかロマンチックじゃない。
塩＝死だと思うのは日本人だけかもしれない。イギリス人にとっては床に蒔かれた塩は融雪剤だ。観客それぞれの文化的な背景をどれだけ意識してつくられたのか分からない。
日本人の死とは静寂なのか。外人アーティストにとっての死はもっと派手でグロテスクなものだ、一部の禅かぶれのアーティスト以外には。
トレースの作品と同じように、「パーソナルな体験の共有」が狙いならば、持ち帰りたくなるようなマテリアルであることと、その「持ち帰る」行為が自然であればあるほど、エスカレーターのように自然に参加させられることによって、より参加型のアートとして、追体験型の作品として輝くはずだ。塩を持ち帰りたい人というのは、常識的に考えれば？今晩の台所で使う人だろう。お塩借りるわよ！ってな具合に。もしくは球児にとっての「甲子園の土」のように思い出の遺品「おみあげ」としてだろう。
いかに自然に観客を巻き込むかという点において、トレースの作品は観客は積極的に持ち帰る。キャンディを持ち帰るのは自然な行為だ。その辺で、トレースの作品は参加型アートのあり方として先駆的だった。
山本氏の作品の「制作過程」を知る事で、作品の意味が変って来る。良い意味で。
もくもくと、座り込んで塩で描く延々としたプロセスにこそ迫力がある。
つまり、パフォーマンス的な要素が働いているということだ。
しかし、作品の持てるコンテクストには限界がある。
いろんな要素に手をださずに、パフォーマンスを上手にみせるべきだと思う。
普遍的な作品として徹底することの難しさ、作家性とどう両立するのか。
あたらしいアートの要素とテクノロジーをどう扱うか。
バランス感覚とセンスがアーティストにも求められている。
このExhibitionの開催当時、東京にいなかったので行けませんでした。
ARTiTでの山本基へのインタービューや写真を見て思うことが多々あったので、
整理しつつ批評してみようと思います。
http://www.art-it.asia/u/admin_news/3sJeF7ElvRXAf0xtuVC9
（山本氏へのインタビュー動画なくなっちゃった。。。）
今回の「MOTアニュアル２０１０：装飾」展（2月6日(土)～4月11日(日)）
「装飾」という造形形式を、時代の美意識を越えて個人の精神性を反映するものであるとして作家を幅広く集め、「装飾」された空間や作品によるexhibitionのようです。
作家それぞれが装飾的な作品によって表現していることは多種多様であるが、全体として社会を反映しているのではないか？ということなんでしょう。私も装飾とか文様はある種の世俗を反映しているのは確かだと思います。例えば、マティスなんて、当時のテキスタイルを正確に絵に描いているので彼の絵には資料的な価値もありますよね。ま、ここは今回はこれ以上はこのExhibitionのテーマには突っ込みません（見てないし）。
ただ、メディアとか表現手法の類似性で作品を括るのは止めて欲しいとは思う。個人的には、「装飾というのは飾りであって本体ではない」という点で、装飾それ自体にも「意味」があるのだとしたらどう読み解くべきか、そして装飾を施された実体の持つ意味はどれぐらい社会を反映する「のりしろ」として機能してきたのか、当時の「のりしろ」の実体と比較検討してみたらよっぽどテーマに沿った内容になるのではないかと思っている。そりゃ博物館の出番かなあ。。。。
山本基は、塩を用いて、死をテーマにインスタレーションを行っている作家です。今回は、「迷宮」というタイトルで、塩２００ｋｇを使ってホールの床に日本の伝統的な波模様か枯山水の庭園を彷彿とさせるような広大な塩の迷宮が広がり、川（本人談）のような装飾されていない貫入がところどころに入っていて、単純な紋様としては見てほしくないようであるが、イスラム教の都市の上から見下ろしたような複雑性と規則性に連続が見られる。一見すると、白の純白と床の木材とのシンプルなハーモニーであるがゆえにどういった意味があるのかと深読みすることを要求されているようで、コンセプチャルアート的な体裁ではある。
紋様の賑やか以外は、禁欲的な感じだ。それは、混みいった人生の「道」のようにも見える。
私は、この作品のキーワードである「死」、「持ち帰る（消失）」について似たキーワードの作品で知られるFélix González-Torresの作品と比較してみようと思う。
トレースと山本に共通するのは、commodity（商品価値）の無い作品を作り、インスタレーションで場をつくる作家であるという点である。そして特別な材料とスキルは使っていない。
しかし、トレースの作品における「死」には、彼のゲイとしてのアイデンティティや死に至る病＝ＨＩＶ、ボーフレンドの死の悲しみが色濃く表れている。観客はゲイでなくとも悲しみを追体験させられる。
「死」というテーマ
死というテーマの壮大さ、
ぼくは、死というテーマに懐疑的だ。
すべての人にとって「死」はテーマとなりえるからだ。
轢死とか水死とか憤死とか感電死とかにジャンルに拘るのなら別だけど。
すべての人間にとって、どう生きるか、そしてどう死ぬかは人生のテーマじゃないか。親も死ねば、友も死ねば、恋人も死ぬだろう。死は身近であり究極であり普遍的すぎるのでわざわざテーマにしてもらわなくても「意識」していることだ。
原始人も未来人も死を前に去来する思いは変わらないだろうと思う。
YBAのダミアン＝ハーストの作品に流れる「死」の軽さ、軽快さ、がファッション的に見えてしまうのは、彼本人に何のイデオロギーも無い一流のコンセプチャリストだからだと思う。薬棚も、解剖台もダイアの髑髏も、鮫も、牛も（クーンズの作品の置き換えだし）。死の仮面を被った、「死」とは対極の存在とも言えるかもしれない。
死というのは、宗教観や死生観を反映したものなので、多様であいまいで絶対的。
しかし、個人的経験ほど、記憶を呼び覚まされて共感させられるものはないだろう。
ハーストが表現する死は、生物としての「死」であり、ちっぽけな「生」を意識させられる。
トレースの表現する死は、個人の悲しみが宇宙よりも広くて深いことを感じさせる。
いずれにしろ、山本の作品の「死」に対して、距離の取り方が私にはわからない。
最終日（終了後）に、生演奏を奏でつつ、作品を撤去するそうだ。。。。
塩を持ち帰りたいかどうか。BGMは葬送曲なのか、運動会のマーチなのか、おしゃれアンビエントなのか、ノイズなのか、意図的に行う以上は、この作業も作品の一部なのだろうか。
会期中にやらないと作品の一部にはならんぜよ！と思う。
いわゆる「消失する作品」というのは、
ランドアートの重要なテーマのひとつで、
人間がつくったものが自然の風化作用で形が無くなってゆくことで
時間的スケールや都市と自然の関わり、さらに生と死を意識させられる形態である。
近年の参加型アートの隆盛によって、持ち帰られ人工的に消失するインスタレーションが
ランドアートの進化した形であると私は思っている。
インスタレーションにどう観客を参加させるか
経験させることの重要性が認知され、世界の展示スペースは遊園地化している。
参加型アートの理論を進めるならば、究極的なインタラクティブアートは遊びの場や遊具などの社会の原初的風景ともいうべき場所(site）に降り立つのだ。この話は、私の研究テーマのひとつなので違う記事で書こうと思う。
こうしたアートは、観客との距離を短くするために超絶技巧は使わず、日常にある材料でDIY（Do it yourself）になる。そうすることでcommodityを無くし、unmonumental（非記念碑的？）になる。その空間が体験者にとって創造の場としての意味を持つように。
いかに自然に観客を作品へ取り込むかが参加型アートの必要条件になる。
これは、必ずしも「平和的」な空間の構築を目指している訳ではない。Santiago Sierraのように、嫌悪感をもたらす作品でも構わない。
さて、今回の参加のさせ方としての「持ち帰る」ことについて考えなくてはいけない。
「持ち帰る」ことで消失する作品
海に返すことは自然葬を思い起こさせるが、
海に塩を振るなんて、塩鮭に塩を振るみたいでなんかロマンチックじゃない。
塩＝死だと思うのは日本人だけかもしれない。イギリス人にとっては床に蒔かれた塩は融雪剤だ。観客それぞれの文化的な背景をどれだけ意識してつくられたのか分からない。
日本人の死とは静寂なのか。外人アーティストにとっての死はもっと派手でグロテスクなものだ、一部の禅かぶれのアーティスト以外には。
トレースの作品と同じように、「パーソナルな体験の共有」が狙いならば、持ち帰りたくなるようなマテリアルであることと、その「持ち帰る」行為が自然であればあるほど、エスカレーターのように自然に参加させられることによって、より参加型のアートとして、追体験型の作品として輝くはずだ。塩を持ち帰りたい人というのは、常識的に考えれば？今晩の台所で使う人だろう。お塩借りるわよ！ってな具合に。もしくは球児にとっての「甲子園の土」のように思い出の遺品「おみあげ」としてだろう。
いかに自然に観客を巻き込むかという点において、トレースの作品は観客は積極的に持ち帰る。キャンディを持ち帰るのは自然な行為だ。その辺で、トレースの作品は参加型アートのあり方として先駆的だった。
山本氏の作品の「制作過程」を知る事で、作品の意味が変って来る。良い意味で。
もくもくと、座り込んで塩で描く延々としたプロセスにこそ迫力がある。
つまり、パフォーマンス的な要素が働いているということだ。
しかし、作品の持てるコンテクストには限界がある。
いろんな要素に手をださずに、パフォーマンスを上手にみせるべきだと思う。
普遍的な作品として徹底することの難しさ、作家性とどう両立するのか。
あたらしいアートの要素とテクノロジーをどう扱うか。
バランス感覚とセンスがアーティストにも求められている。
2010年9月30日木曜日
映像
映像。
そして動画。 動画と書くとアニメみたいだ。。。。
映像も静止画の連続なので、広く捉えればアニメーションかな。
本当のアニメの意味は、アニマが宿ったもの。
動かない物がアニマ（生命）を宿して動くことですよね。
はい
今、映像作品をつくる準備をしています。
もうね、HD化するには 全取っ替えです。
After Effects CS5 , Photoshop CS5, Illustrator CS5 のアカデミックを買います。
（そのために放送大学に籍を置いたのは内緒です）
今だにPowerBook G4なので、 Macも買い替えです。
デジタル一眼でHD動画撮れるのは凄いですよね。
長回しはセンサーが熱でやられるらしいので、ワンシーンワンカットは難しいみたいだけど。
もともと、私は映像で生業を建てていました。
映画の自主制作なんてことを大学の頃は本気でやってしまって、
その流れで某CG会社でテレビのCGをつくっていました。
モーショングラフィックスとか、スーパーとか、スウォッシュとかいう奴です。
スポンサーロゴのパス取りもやったなあ。。。マスクいっぱい切ったなー。。。。
でも、CG嫌い！ アンゲロプロスとかカウリスマキが好きな映画青年だったから当然なんですけどね。 で、いろいろ考えたあげく渡英して、 ファインアート（美術）を学びました。
PCとかのデジタル技術は作品制作へはほんとに使いませんでした。
仕事で扱ったようなクオリティのある映像は、アートだと無いんですよ。
ヴェル ビオラ？とか映像美で魅せる作家は稀です。
日本だと高木正勝とか（CG屋に取ってみれば鼻くそみたいな技術だから）。
でもアーティストというのは実はアマチュアなんです。
大事にしているポイントが違うんです。
コンテンポラリーアートにおける映像作品の大体が記録として映像、
ドキュメンテーションなのです。メディアアート的なかっこいいものは、あんまりあんまりです。技術は問題じゃなかったりします。
ま、そういうわけで、イギリスにいる時は映像をつくる気にはまったくならなかったのですが、帰国してから、今なら新たな気持ちで映像をつくれるんじゃないかと思うようになりました。不思議ですね。
私の一つ年上の師匠！の矢後智之さんは映像を作品によく使うアーティストです。
スウェーデンのヨーテボリで活躍中のようです。
なんかいっぱいコンペで賞とかもらってるしー。
映像って出品しやすくていいよね！ インスタだったら機材大変だけど。
俺もがんばるどー。
そして動画。 動画と書くとアニメみたいだ。。。。
映像も静止画の連続なので、広く捉えればアニメーションかな。
本当のアニメの意味は、アニマが宿ったもの。
動かない物がアニマ（生命）を宿して動くことですよね。
はい
今、映像作品をつくる準備をしています。
もうね、HD化するには 全取っ替えです。
After Effects CS5 , Photoshop CS5, Illustrator CS5 のアカデミックを買います。
（そのために放送大学に籍を置いたのは内緒です）
今だにPowerBook G4なので、 Macも買い替えです。
デジタル一眼でHD動画撮れるのは凄いですよね。
長回しはセンサーが熱でやられるらしいので、ワンシーンワンカットは難しいみたいだけど。
もともと、私は映像で生業を建てていました。
映画の自主制作なんてことを大学の頃は本気でやってしまって、
その流れで某CG会社でテレビのCGをつくっていました。
モーショングラフィックスとか、スーパーとか、スウォッシュとかいう奴です。
スポンサーロゴのパス取りもやったなあ。。。マスクいっぱい切ったなー。。。。
でも、CG嫌い！ アンゲロプロスとかカウリスマキが好きな映画青年だったから当然なんですけどね。 で、いろいろ考えたあげく渡英して、 ファインアート（美術）を学びました。
PCとかのデジタル技術は作品制作へはほんとに使いませんでした。
仕事で扱ったようなクオリティのある映像は、アートだと無いんですよ。
ヴェル ビオラ？とか映像美で魅せる作家は稀です。
日本だと高木正勝とか（CG屋に取ってみれば鼻くそみたいな技術だから）。
でもアーティストというのは実はアマチュアなんです。
大事にしているポイントが違うんです。
コンテンポラリーアートにおける映像作品の大体が記録として映像、
ドキュメンテーションなのです。メディアアート的なかっこいいものは、あんまりあんまりです。技術は問題じゃなかったりします。
ま、そういうわけで、イギリスにいる時は映像をつくる気にはまったくならなかったのですが、帰国してから、今なら新たな気持ちで映像をつくれるんじゃないかと思うようになりました。不思議ですね。
私の一つ年上の師匠！の矢後智之さんは映像を作品によく使うアーティストです。
スウェーデンのヨーテボリで活躍中のようです。
なんかいっぱいコンペで賞とかもらってるしー。
映像って出品しやすくていいよね！ インスタだったら機材大変だけど。
俺もがんばるどー。
2010年9月6日月曜日
"The Everyday" edited by Stephen Johnstone
例のホワイトチャペルギャラリーから出版されているシリーズです。
今、欧米でアーティスト及びアート関係者が考えていることがよーくわかる
このシリーズ。今回は"Everyday Life"、つまり「日常」に関して考察してあります。
多数のアーティストや批評家の論文をピックアップして編集してあります。
90年代に、各地のビエンナーレなどで「日常」を取り上げた作品が増えました。
素人が撮ったようなスナップショット写真、
アマチュアな作品、DIY的工作スキル
「日常」を展示するということはなんなのでしょうか。
"WHAT HAPPENS WHEN NOTHING HAPPENS?" (Paul Virilio)
以下の文章は、ソフィー・カルがホテルでメイドをして他人のプライヴェート（日記）を盗み見た作品の一節です。
I clean the room and start to read his diary. His handwriting is poor, heavy, irregular. I re-read his remarks about Venice: 'Sunday 15 February 1981. We arrived in Venice this morning. We took the train. it is really spectacular. No cars, just pretty little streets and small bridges over the canals. We sat outside and had drinks of various strange things. We went back to the hotel. i am in a tiny room by myself. Ran out and bought a kilo of oranges and apples and put them on my windowsill. We went out and had very good walk. I ate a good soup, noodles with tomato sauce, and drank a lot of white wine. Went to piazza San Marco, had a grappa. made me feel not too good. Went back to hotel C. I slept a bit. Rob and I went to strolling. Strayed at a bar and had a beer. Came back. Rob went up. Got a postcard from the desk and went to hotel bar and had a beer + cig. I wrote a long postcard to OI. Up to my room, had a bath, ate some oranges and apples, and will crash. I have told the desk to wake me up at 8:30...' Sounds in the hallway. I close the diary. As I put it down it down, someone enters the room. i pick up my rags, my bucket (where my camera and tape recorder are hidden), lower my gaze and leave.
(Sophie Calle, The Hotel. 1981 )
観客は、日記を他人に見られることの気まずさと、他人の日記（プライヴェートな情報）見ることの新鮮さを同時に味あわされます。
オサレな直島で口当たりのいい作品を見るのも良いでしょうが、欧米のアートシーンにおけるリアルな日常の意義について考えてみませんか。
今、欧米でアーティスト及びアート関係者が考えていることがよーくわかる
このシリーズ。今回は"Everyday Life"、つまり「日常」に関して考察してあります。
多数のアーティストや批評家の論文をピックアップして編集してあります。
90年代に、各地のビエンナーレなどで「日常」を取り上げた作品が増えました。
素人が撮ったようなスナップショット写真、
アマチュアな作品、DIY的工作スキル
「日常」を展示するということはなんなのでしょうか。
"WHAT HAPPENS WHEN NOTHING HAPPENS?" (Paul Virilio)
以下の文章は、ソフィー・カルがホテルでメイドをして他人のプライヴェート（日記）を盗み見た作品の一節です。
I clean the room and start to read his diary. His handwriting is poor, heavy, irregular. I re-read his remarks about Venice: 'Sunday 15 February 1981. We arrived in Venice this morning. We took the train. it is really spectacular. No cars, just pretty little streets and small bridges over the canals. We sat outside and had drinks of various strange things. We went back to the hotel. i am in a tiny room by myself. Ran out and bought a kilo of oranges and apples and put them on my windowsill. We went out and had very good walk. I ate a good soup, noodles with tomato sauce, and drank a lot of white wine. Went to piazza San Marco, had a grappa. made me feel not too good. Went back to hotel C. I slept a bit. Rob and I went to strolling. Strayed at a bar and had a beer. Came back. Rob went up. Got a postcard from the desk and went to hotel bar and had a beer + cig. I wrote a long postcard to OI. Up to my room, had a bath, ate some oranges and apples, and will crash. I have told the desk to wake me up at 8:30...' Sounds in the hallway. I close the diary. As I put it down it down, someone enters the room. i pick up my rags, my bucket (where my camera and tape recorder are hidden), lower my gaze and leave.
(Sophie Calle, The Hotel. 1981 )
観客は、日記を他人に見られることの気まずさと、他人の日記（プライヴェートな情報）見ることの新鮮さを同時に味あわされます。
オサレな直島で口当たりのいい作品を見るのも良いでしょうが、欧米のアートシーンにおけるリアルな日常の意義について考えてみませんか。
2010年3月26日金曜日
過去の記事の紹介
去年書いた文章をARTit(http://www.art-it.asia/f/k_miyagawa/)ブログ用に再編集したので、
紹介します。
言葉にならない
http://weartheworld.blogspot.com/2009/09/blog-post_2500.html
Artは学問≠技術
http://weartheworld.blogspot.com/2009/07/art.html
Artがない話
http://weartheworld.blogspot.com/2009/09/art.html
おまけで、紹介文も
「Relational Aesthetics」 by Nicolas Bourriaud
http://weartheworld.blogspot.com/2009/07/relational-aesthetics.html
Santiago Sierra
http://weartheworld.blogspot.com/search/label/Santiago%20Sierra
Relational Aestheticsに関して検索してたどり着く方が多いので、
そのうち詳しく書いて載せようかな。
でも僕を信じないで、自分で実際に本読まないと駄目だよ。
単位落とされても責任取りませんよーだ。
紹介します。
言葉にならない
http://weartheworld.blogspot.com/2009/09/blog-post_2500.html
Artは学問≠技術
http://weartheworld.blogspot.com/2009/07/art.html
Artがない話
http://weartheworld.blogspot.com/2009/09/art.html
おまけで、紹介文も
「Relational Aesthetics」 by Nicolas Bourriaud
http://weartheworld.blogspot.com/2009/07/relational-aesthetics.html
Santiago Sierra
http://weartheworld.blogspot.com/search/label/Santiago%20Sierra
Relational Aestheticsに関して検索してたどり着く方が多いので、
そのうち詳しく書いて載せようかな。
でも僕を信じないで、自分で実際に本読まないと駄目だよ。
単位落とされても責任取りませんよーだ。
2010年3月13日土曜日
タイトル: WE ART THE WORLD
今更ですが、このブログのタイトル（名前）について説明していませんでした。
‘ 由来 ’
あのチャリティーキャンペーン We are the world にちなんだダジャレです。スペルミスでもなくって私が作った造語です。発音すれば同じでしょ？ スラングの世界では発音しないアルファベットを省略したりするので、Ｅを省略。そして、ARTを誤って動詞的に使って、「art the world」 で 「アートをやる！」「世界をアートに！」という新たな意味を込めました。「We are the world（私達が世界）」であり「We art the world （私達が世界をアートにする）」というダブルミーニングです。
‘ ＩとＷＥ ’
I ART THE WORLD、作家がアートという専門性の高く、超絶スキルで用いて制作された商品価値（commodity)のある「モノ」を作ること。というのがこれまでの一般的なアート制作でした。
そしてオリジナリティに富んだ創造性を持った作家が「I(個人)」を発表する場だったギャラリーなどのアートスペースが、９０年代には作家と観客を越えて個人同士が「作品（モノ）」や「作品（場）」を通じて交流する場となりました、そして、作家だけではなく観客も「アートを楽しむこと」「アートに参加すること」「自分のアート体験をすること（モノ以外の価値のあることを自分でつくりだすこと）」が観客の権利として出来る作品に出会うことも多くなってきています。
観客も作家みたいなアート、つまり、みんなアートやってるってことじゃん！というような現代的「アート鑑賞の楽しみの方のひとつ」をこのブログで推進していこうといことです。
言葉は悪いですが、一見ゴミしか見えないかもしれないけど、観客にとって価値のある「ゴミ」の鑑賞の仕方を学ぶ場になればいいと思います。そういう思いです。タイトル負けしないように頑張ります。
‘ 由来 ’
あのチャリティーキャンペーン We are the world にちなんだダジャレです。スペルミスでもなくって私が作った造語です。発音すれば同じでしょ？ スラングの世界では発音しないアルファベットを省略したりするので、Ｅを省略。そして、ARTを誤って動詞的に使って、「art the world」 で 「アートをやる！」「世界をアートに！」という新たな意味を込めました。「We are the world（私達が世界）」であり「We art the world （私達が世界をアートにする）」というダブルミーニングです。
‘ ＩとＷＥ ’
I ART THE WORLD、作家がアートという専門性の高く、超絶スキルで用いて制作された商品価値（commodity)のある「モノ」を作ること。というのがこれまでの一般的なアート制作でした。
そしてオリジナリティに富んだ創造性を持った作家が「I(個人)」を発表する場だったギャラリーなどのアートスペースが、９０年代には作家と観客を越えて個人同士が「作品（モノ）」や「作品（場）」を通じて交流する場となりました、そして、作家だけではなく観客も「アートを楽しむこと」「アートに参加すること」「自分のアート体験をすること（モノ以外の価値のあることを自分でつくりだすこと）」が観客の権利として出来る作品に出会うことも多くなってきています。
観客も作家みたいなアート、つまり、みんなアートやってるってことじゃん！というような現代的「アート鑑賞の楽しみの方のひとつ」をこのブログで推進していこうといことです。
言葉は悪いですが、一見ゴミしか見えないかもしれないけど、観客にとって価値のある「ゴミ」の鑑賞の仕方を学ぶ場になればいいと思います。そういう思いです。タイトル負けしないように頑張ります。
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